top of page

VOLTA 2024

Simone Thiele_Two Layers #1_2023_Acryl on Canvas_100x120.jpeg

Simone Thiele

Artist Statement

Ich schaffe meine Werke durch Überlagerung verschiedener Bildebenen. In meinen Gemälden werden Flächen Schicht für Schicht übereinandergelegt. Dadurch wird die Struktur des Gemäldes deutlich erkennbar. Der offen gelegte Entstehungsprozess wird dem Verborgenen gegenübergestellt. Mich interessiert, wie diese Schichten miteinander verbunden sind und welche Räume zwischen ihnen entstehen.

Meine Werke strahlen eine einnehmende Grosszügigkeit und Ruhe aus. Die Farbpalette sucht nach einem subtilen Ton, während der starke Kontrast zwischen Hell und Dunkel den Werken Präsenz verleiht. Die Serie "Two Layers", die wir für meine Teilnahme an der VOLTA Basel 2024 ausgewählt haben, erkundet den experimentellen Ansatz, die Anzahl der Malschichten zu reduzieren. Für mich ist das Entwerfen eines Gemäldes wie Mathematik. Es geht um das Gewicht von Flächen und Farben und deren Verhältnis zueinander.

Monica Vaccari_Escapes_2023_Raku_26x14x29.JPG

Monica Vaccari

Artist statement

Die Büste, eine neue Poetik

Meine Nachforschungen über die Büste, verstanden als eine Form der Repräsentation, gehen von meinen Ursprüngen, von meinem Heimatland aus. Die italienische Bildhauerei und insbesondere die diejenige der Renaissance hat eine grundlegende Rolle in meiner Arbeit gespielt: die Terrakottaarbeiten von Guido Mazzoni aus Modena und Niccolò dell' Arca aus Bologna, die Porträts von Francesco Laurana und das gesamte nachfolgende Schaffen, das von dieser wunderbaren Periode der Kunstgeschichte inspiriert wurde.

Bei meinen künstlerischen Erkundigungen geht es jedoch nicht darum, ein Ideal darzustellen oder einfach eine Person abzubilden, wie es in der Antike üblich war. Meine "Büsten", die keine Porträts mehr sind, stellen die Menschheit dar, mit allem, was dazugehört. Manchmal taucht das Gesicht in den Werken auf, um eine gewisse Kontinuität mit der Vergangenheit zu zeigen, manchmal verschwindet es ganz. Aber die Idee eines Kopfes, der auf sehr soliden Schultern ruht, gut verwurzelt an der Basis, bereit, alles über ihm zu tragen, bleibt immer bestehen. Der Kopf wird zum aktiven und dynamischen Teil, der konturiert, färbt, uns überrascht, aber immer ein Gleichgewicht mit dem darunter liegenden Teil findet, der normalerweise neutral und unpersönlich ist. Der Dualismus zwischen den beiden Teilen offenbart die ewige Koexistenz der beiden gegensätzlichen Kräfte, die sich gegenseitig anziehen, das Gute und das Böse, das Schwarze und das Weisse, die Zerbrechlichkeit und die Stärke, die einen Dialog auf der Suche nach Gelassenheit, Gleichgewicht und Schönheit ins Leben rufen.

Keramik bietet also viele Möglichkeiten, durch die verschiedenen Brenn- und Glasurtechniken alle ausdrucksstarken Nuancen auszudrücken, um die menschliche Existenz darzustellen. Bei der Raku-Technik, die ihren Ursprung in Japan hat, kommen alle Schwarz-, Grau- und Farbtöne optimal zum Ausdruck. Im Raku finden sich alle Elemente wieder: Erde, Feuer, Luft und Wasser. Die Formen werden vereinfacht, die Farben dominieren über die Gestaltung, die Sprache wird poetisch, direkt und wesentlich. Bei der Verwendung von Steinzeug, der anderen keramischen Technik mit Hochtemperatur-Tonbrand und der Schichtung von eingepressten und engobierten Schichten, erzählen meine Skulpturen dagegen andere, sehr komplexe und faszinierende Geschichten. Was die keramischen Techniken gemeinsam haben, sind die Herstellungszeiten, die Erwartungen, die Hoffnungen, die Überraschungen der Ergebnisse am Ende des langen Herstellungssprozesses, der mit einer Idee begann, dem ein Projekt folgte und mit der Realisierung endete.

Aus diesem Grund ist die Keramik für mich ein ideales Medium, um die drei Dimensionen voll zum Ausdruck zu bringen. Die Arbeit mit Ton ist Freiheit, körperliche Freude an der Manipulation, bei der der Geist und die Hände schnell sind, in einer direkten Nervenleitung kommunizieren und sich von einer geheimnisvollen, energetischen und zeitlosen Kraft leiten lassen.

Mario Pennetta_OT239_2023_Mixed_140x140.jpg

Mario Pennetta

Artist statement

Bei näherer Betrachtung offenbaren meine Bilder einen prozesshaften Charakter durch die Sichtbarkeit des Farbauftrags, der flüchtige Gedankenspuren erkennen lässt. Auf der Leinwand entfaltet sich ein vielschichtiges Wechselspiel von Unbestimmtheit und Schärfe sowie Leere und Fülle, das den Betrachter lange vor den Werken verweilen lässt. Die abstrakte, informelle Malerei öffnet die Tür zu einem breiten Spektrum kreativer Ausdrucksmöglichkeiten. Mit verschiedenen Techniken lasse ich die Farben in einen Dialog miteinander treten. Ich lasse sie auf der Leinwand verschmelzen und auf dynamische Weise miteinander interagieren. Die abstrakten, informellen Gemälde ermutigen sowohl den Künstler als auch den Betrachter, ihre eigenen Welten zu erforschen und ihre Gefühle auf eine Weise auszudrücken, die jenseits von Worten liegt.

GalerieKatapult_SilviaSalvagno_VastnessIX_2024_oilonlinen24kgoldembroidery_80x80cm_2600CHF

Silvia Salvagno

Artist Statement

Das Leben und die Zeit verändern sich ständig und entziehen sich unserem Zugriff. In meinen Gemälden versuche ich, diesen unaufhörlichen Wandel und die damit verbundenen Reflexionsprozesse einzufangen.

Ich arbeite mit mehreren dünnen Farbschichten, um Werke zu schaffen, die sich an der Grenze zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit bewegen. Leere Räume spielen in meinen Kompositionen eine wesentliche Rolle. Meine Farbpalette ist subtil, und ich verwende zarte Pinselstriche, um glatte, diffuse und ruhige Bilder zu erhalten. Meine Arbeiten sind eine Einladung, innezuhalten, nachzudenken und sich auf eine Entdeckungsreise in die Schönheit und den Frieden dessen zu begeben, was einfach, zerbrechlich und flüchtig ist: unsere Reise durch das Leben.

Meine neueste Serie Silence ist inspiriert von den Erfahrungen und der Natur, die ich in meiner neuen Heimat Portugal entdecke. Die Werke sind eine Reflexion über die Gefühle und Emotionen, die wir auf unserer Reise durch das Leben kultivieren. Während ich sie anfertige und betrachte, sehe ich meine andares (ein spanisches Wort, das sich am besten mit einer Mischung aus Wandern und Reisen übersetzen lässt) reflektiert. Jedes Werk konzentriert sich auf ein bestimmtes Gefühl, das zusammen die Weite der menschlichen Erfahrung darstellt. Ich habe mit einer einzigen reduzierten Palette von Primärfarben in Öl gearbeitet, um einzigartige Töne und Werte zu schaffen, die sie in mehreren dünnen Schichten aufträgt. Dieser Prozess schafft eine subtile Harmonie zwischen Tiefe und Glätte. Ich habe jedes Stück mit einem handgefertigten 24-karätigen Goldfaden bestickt, der die andares darstellt, die wir alle gehen, mit ihren schönen Unvollkommenheiten.

HeikeMueller_Luftblasen3_35x55cm_2023 Kopie.jpg

Heike Müller

Artist Statement

Ich bin Malerin und ich liebe es zu malen.

Ich bin ein visueller Mensch und liebe es zu beobachten.

Ich mag schöne Dinge und ihr Anblick macht mich glücklich.

Meine Kunst hat also einen positiven Ansatz, und meine Bilder müssen eine positive Schwingung ausstrahlen.

 

Ich habe eine Vorliebe für alte Dinge und seit langem arbeite ich mit alten Fotografien, die ich auf Flohmärkten und in Brockenhäusern gefunden habe. Manchmal sind es zwielichtige Gestalten, die mich anziehen, manchmal einfach die friedliche und respektvolle Situation, in der die unbekannten Menschen fotografiert wurden. Das Bewusstsein war respektvoller als heute und so sprechen die alten Fotografien ihre eigene Sprache.

Vorbereitete und farbig grundierte Leinwände bilden immer die Basis meiner Arbeiten, so dass schon der erste Pinselstrich auf die Grundfarbe reagiert und einen interessanten Auftakt bildet. Neben der Übertragung alter Motive in neue Situationen, habe ich vor drei Jahren entdeckt, Männer zu malen. Männer malen Frauen, Frauen malen Männer. Ich habe angefangen, mit männlichen Modellen zu malen, und das war eine neue Erfahrung. Erstens ist es eine Luxussituation, einen Mann beobachten zu dürfen. Zweitens ist es eine Herausforderung, die Haut, den Körper und die Person selbst in kurzer Zeit, in einer Sitzung auf die Leinwand zu bekommen. Das ermöglicht eine hohe Konzentration und ein Eintauchen in den Akt des Malens. Plötzlich, nachdem ich die Haut und den Körper auf die Leinwand gebracht habe, beginnt das Bild zu atmen, die Haut fängt an zu pulsieren, die gemalten Augen schauen mich an und obenauf, das löst Hochgefühle aus, und das Bild wird auf völlig neue Weise erlebt.... das ist eine faszinierende Situation. Ich male positive Vibes und meine Bilder sollen Freude machen.

bottom of page